L’arte rivoluzionaria di Siena che ha aperto le porte del Rinascimento | Cultura

Duccio di Buoninasegna, universalmente noto come Duccio, era un ragazzo ribelle e irascibile. Le cronache del suo tempo registrano tutte le multe e le sanzioni che ha ricevuto per inadempienza dei debiti, per aver rifiutato di mostrare fedeltà alle autorità, di sgattaiolare dal servizio militare e persino di praticare la stregoneria. Duccio era anche la figura chiave del dipinto della città italiana di Siena nel XIII secolo e uno dei primi artisti a liberare i personaggi dalle sue opere della rigida muffa bizantina che fino ad allora dominava la produzione artistica, per iniziare a catturare sentimenti umani e gesti quotidiani.

La mostra Siena: l’ascesa della pittura. 1300-1350 (Siena: The Awakening of the Painting. 1300-1350), che la National Gallery di Londra ha incluso come uno dei principali eventi per celebrare il suo bicentenario, riscopre l’importanza fondamentale degli artisti di questa città, arricchita dalla sua attività bancaria e dalla sua posizione strategica nella strada strategica (la rotta europea da nord a sud che ha preso Roma), per stabilire i basi della base del rompicapo. Il campione era già a New York si è riunito da ottobre dello scorso anno fino alla fine di gennaio 2025.

“Normalmente, ci vogliono per due o tre anni per preparare qualsiasi mostra importante nella National Gallery. In questo abbiamo lavorato tra otto e dieci “, ha spiegato Gabriele Finaldi, direttore della British National Pinacoteca, accompagnato dal sindaco di Siena, Nicoletta Fabio.

La mostra, che riunisce più di cento opere fornite dai musei di tutto il mondo, è stata aperta al pubblico sabato scorso e rimarrà fino al 22 giugno. Ruota attorno a quattro artisti fondamentali per comprendere quel momento chiave nella storia della città e dell’arte universale: Duccio, Simone Martini e i fratelli Pietro e Ambrogio Lorenzatti. Il lavoro dei quattro introduce sentimenti, espressività e emozioni umane. Aggiungi paesaggio, contesto, architettura e scene di tutti i giorni alle storie bibliche, si rompe con la formalità dell’arte religiosa e inizia a mostrare uno schema di tre -dimensionalità.

Con queste caratteristiche, è molto difficile trasmettere all’osservatore di oggi il passato e lo stupore che il lavoro di questi autori ha causato nei loro contemporanei, ma che lo sforzo necessario che deve essere fatto per comprendere l’entità di tutto ciò che Siena ha prodotto in mezzo secolo.

“Per quanto possibile, dovresti provare a fare come se non avessi visto tutto ciò che hai visto finora. Anche se so che questo è impossibile ”, afferma Laura Llewellyn, una delle conservatori dello specialista della National Gallery nella pittura italiana prima del XV secolo, che ha partecipato alla preparazione del campione. “Viviamo in un mondo post -configurativo, in cui la fotografia fa parte della nostra vita. Ma a quel tempo, nel contesto originale di questi dipinti, tutto ruotava attorno all’immagine, come creare un’immagine “, spiega. “I pittori di Siena non avevano gli strumenti disponibili oggi: sette secoli di esempi da seguire, degli artisti per rispondere, delle tradizioni per continuare a costruire”, aggiunge Llewellyin per cavalcare l’idea che tutto fosse un territorio inesplorato e l’innovazione artistica.

L’irruzione del “maestá”

Le storie salvate dal tempo raccontano come la folla si è radunata alle porte del seminario Duccio, nel Via Stalloreggi, quando la voce del miracolo che l’insegnante aveva creato. Era il giugno 1311. Il governo dei nove, la magistratura che diresse la Repubblica di Siena, accompagnò i religiosi che trasportavano la città della città i religiosi della città Maestá (Maestà), una pala d’altare di circa due per circa quattro metri, con sfondi d’oro, una moltitudine di scene dipinte con profusione di tessuti e dettagli architettonici. Un’opera portatile che assomigliava al suo design la facciata stessa della chiesa, con i suoi pinnacoli gotici.

L’immagine classica dell’arte cristiana medievale, la vergine in trono con il bambino Gesù, si trasformò in qualcosa di nuovo e rivoluzionario. “Ci sono momenti nella storia in cui sorge un’innovazione frizzante, in cui tutto sembra accelerare. Este de Siena è stata uno di quei momenti “, afferma Llewellyn.

Dieci santi, 20 angeli e 10 apostoli circondavano l’immagine. Dipinti di tempio su legno. Quasi quaranta tavoli per descrivere la vita e la morte della Vergine, con la quale Siena aveva sempre una relazione speciale – protettore di fronte ai suoi nemici, i florenini – e la prede, alla base, con tavoli che raccontano la vita di Cristo.

Nel 1506, il Maestá Lasciò l’altare principale della Cattedrale. Nel 1771, l’opera, che aveva dipinti sui suoi due volti, fu sezionato, piuttosto laminato, per distribuire le sue immagini su due altari. Il retro della pala d’altare era formata da 50 tavoli con miracoli, insegnamenti e passione di Cristo.

L’ottimo lavoro di Duccio può solo essere immaginato. La maggior parte delle loro scene, frammentate, sono distribuite da gallerie di tutto il mondo. Quelli che includono l’esposizione mostrano una tecnica squisita e un dominio narrativo eccezionale.

“Sono opere che iniziano a cercare di far sembrare le scene bibliche reali, tangibili e presenti. In questo senso, tutti questi dipinti comportano un cambiamento nelle pratiche devozionali, guidate da ordini mendicanti come francescani e domenicani. I francescani hanno molto interesse nell’incoraggiare i fedeli a comprendere l’umanità di Cristo e la vicinanza alla nostra vita dei personaggi sacri ”, spiega Imogen Tedbury, un altro dei commissari della mostra.

Bambini che si ritirano o giocano con il velo della madre; La faccia amorevole e triste della Vergine, che già sa quale sia il futuro del bambino Gesù; Santi con facce umane e in lutto; scene di uno schermo, come La scoperta di Gesùdi Simone Martini, in cui Joseph indica Gesù a sua madre, si preoccupò per lui quando si perse nel tempio per parlare con i dottori. Un adolescente con armi incrociate concorda su di sfidare il rimprovero.

“Duccio è molto interessato a esprimere il rapporto tra madre e figlio, così come il suo amore e la sua futura sofferenza. Prova a incapsulare tutte queste emozioni in una singola immagine ”, sintetizza Tedbury. “Simone cerca l’espressività di ciascuno dei personaggi.”

Insieme ai fratelli Lorenzetti, Pietro e Ambrogio, che hanno costruito uno spazio architettonico e metafisico per le scene bibliche, tutti questi artisti hanno promosso i posteri una città eclissata per secoli per lo splendore della Firenze dei Medici e che la galleria nazionale ora rivendica con giustizia.