“Una luce dà la vita, due luci uccidono.” Con questo credo sulla semplicità nello scattare immagini, il fotografo Irving Penn (New Jersey, 1917-New York, 2009) è riuscito a diventare uno dei più grandi del XX secolo. Il suo lavoro, sempre con luce naturale e in studio, e la meticolosità, qualità forse ereditata dal padre, orologiaio, veniva catturato con eleganza e sobrietà in tutti i generi da lui toccati, dagli straordinari ritratti di celebrità alle nature morte composte da sigarette culi, compresa la fotografia di moda. Nella mostra è possibile ammirare una panoramica della sua vasta carriera, iniziata negli anni ’30 e proseguita fino all’inizio del nostro secolo Irving Penn: Centenario (Centenario), presso la Fondazione Marta Ortega Pérez (MOP) a La Coruña, organizzata dal Metropolitan Museum of Art di New York (Met) —dove ha potuto essere ammirata nel 2017, anno del centenario della sua nascita—, in collaborazione con la Irving Penn Foundation, da questo sabato fino al 1 maggio 2025.
Con quasi 170 immagini, oltre a riviste in vetrine e pezzi come lo sfondo utilizzato da Penn nel suo austero studio, la mostra è curata da Jeff L. Rosenheim, capo del Dipartimento di Fotografia del Met. Prima di arrivare al Battery Dock di La Coruña (ingresso gratuito), ha visitato numerose città del mondo.
Il tour inizia con le fotografie più antiche che Penn scattò, nel 1939, di manifesti pubblicitari le cui lettere attirarono la sua attenzione. Fin dall’infanzia, questo figlio di genitori ebrei russi che hanno cambiato nome negli Stati Uniti, è stato attento e sensibile. Fondamentale nella sua formazione è stato il periodo come assistente del russo Alekséi Brodovich, suo insegnante alla Philadelphia School of Industrial Art e direttore artistico di Bazar di Harper. Attraverso di lui, Penn ha imparato a conoscere l’arte di Matisse, Picasso e Man Ray. “Era mio padre in molte cose”, scrisse di lui. Nel 1938 Penn acquistò una macchina fotografica Rolleiflex e debuttò come direttore artistico di una rivista mensile sulle donne volontarie.
Tuttavia, come altri grandi fotografi, Penn volle prima provare i pennelli, periodo che visse in Messico e “dove si rese conto che non sarebbe andato oltre l’essere un pittore mediocre, distrusse persino i suoi dipinti”, dice Rosenheim. Al suo ritorno incontrò il suo secondo padre artistico, Alexander Liberman, un altro emigrato russo, direttore artistico dell’ Vogache lo ha assunto quando ha visto le sue foto dal Messico. Nell’ottobre del 1943, Penn fotografò la prima delle 165 copertine che firmò per questa rivista: una natura morta composta da una borsa, guanti, una cintura e un pezzo di cartone su cui erano disegnati alcuni limoni, un apparente disordine in cui tutto combacia . Era un genere in cui esercitò la sua maestria, come si può vedere nei semplici ingredienti di un’insalata o negli oggetti di un’elegante borsetta da donna. “Capiva perfettamente quale fosse lo spazio di una copertina di rivista”, racconta il curatore.
All’inizio della mostra c’è una sorta di angolo pensante per i bambini cattivi. Sono due pannelli mobili che simulano lo spazio in cui Penn collocava le celebrità nel suo studio, permettendo loro di esprimere la propria personalità. L’effetto era come se aprissimo un libro e vedessimo Dalí, Stravinsky, Duchamp… Anche se a volte non convinceva la modella, come Marlene Dietrich, che si arrabbiava quando vedeva il suo. In precedenza aveva provato ritratti in cui l’unico sostegno era un vecchio tappeto su uno sgabello su cui aveva posizionato, tra gli altri, Hitchcock. Erano lunghe sessioni in cui Penn, introverso, parlava quanto basta.
FONDAZIONE IRVING PENN
Penn ha trascorso quasi settant’anni lavorando per riviste, in particolare Voga. Un periodo interrotto solo dalla sua partecipazione alla fine della seconda guerra mondiale come autista di ambulanze a Napoli. Dopo aver assorbito il sapere dei suoi maestri e i classici della pittura e della scultura, si preparò per essere il grande innovatore della fotografia di moda, ponendo le modelle su un fondale neutro per valorizzare i tessuti, senza scenografie ingombranti, come avveniva allora.
Dal glamour passò, durante un viaggio di lavoro in Perù, nel 1948, a fotografare i quechua a Cuzco, in uno dei suoi lavori più noti. Sono immagini in cui Penn abbassa la macchina fotografica e fa posare con grande dignità gli indigeni, anche se vestiti con stracci e sandali.
Il suo enorme talento si spostò negli anni Cinquanta in altri campi, come la pubblicità (“Una fotografia che vende una saponetta può anche essere arte”) o i nudi, in cui optò per corpi carnosi di modelle di pittori, à la Rubens. mostrato senza volto e di scorcio. È stata anche una reazione al suo lavoro, “con così tante donne magre che sembravano costrette a morire di fame”, ha detto. Tuttavia a Liberman i nudi non piacevano e il Museum of Modern Art di New York li respinse come volgari. Visto oggi, si può pensare che Penn fosse in anticipo rispetto ai critici d’arte e ai curatori del suo tempo.
Con l’Europa in pace, Penn fu mandato a Parigi perché c’era la grande opportunità per lo splendore dell’alta moda con Dior, Balenciaga… Entrò nel mondo dei cambi d’abito rapidi, dei ritocchi di capelli e trucco… dalla quale conobbe anche quella che sarebbe stata la sua seconda moglie, la modella svedese Lisa Fonssagrives, la più pagata dell’epoca. In un modesto studio con una tenda, alternava sedute di moda a quella che divenne un’altra delle sue meravigliose serie, I piccoli lavoriiniziato a Parigi e proseguito a Londra e New York: camerieri, fruttivendoli, affilatrici, spazzatrici… Volevo che posassero con gli abiti da lavoro e se erano sporchi, ancora meglio.
Sono gli anni in cui espone anche la sua galleria di “ritratti classici”, in cui elimina i dettagli per evidenziare le forme. Il più famoso, che occupa un posto speciale nella mostra, è stato quello realizzato da Picasso nel 1957. L’artista gli concesse dieci minuti, sufficienti perché Penn si avvicinasse sempre di più al volto di Picasso, fino a ottenere un primo piano in in cui il genio ha posato con mantello e cappello, con metà del viso in ombra e l’occhio sinistro che attirava tutta l’attenzione. Attorno a lui, Audrey Hepburn, Francis Bacon, Dora Maar, Miró con sua figlia…
Arrivano gli anni Sessanta e il mondo è scosso tra proteste, movimenti sociali e decolonizzazione. Penn, attento, inizia a fotografare hippy, angeli dell’inferno o tribù indigene della Nuova Guinea. Tuttavia, la produzione di quest’opera, insieme a quelle realizzate nel Dahomey e in Marocco, a volte si traduce in uno spettacolo circense, con gli occidentali che portano doni agli indigeni affinché possano essere fotografati.
Questo rinnovamento tematico raggiunse anche la sua tecnica. Penn sperimenta con il platino per ottenere un’altra trama nelle sue immagini, vedendo che la qualità di stampa delle riviste era notevolmente diminuita a causa del loro costo. Con la tecnica della platinotipia realizzerà la serie, Sigarette (1972), in cui fotografava mozziconi di sigaretta come nature morte. Era la critica di un uomo che odiava il tabacco e che aveva perso suo padre e il suo insegnante Brodovich a causa di un cancro ai polmoni. Quando fu esposto al Museum of Modern Art di New York, ricevette critiche molto dure; “disgustoso, brutto”, lo definì Il New York Times. Oggi possono essere visti solo come opere d’arte.
Sempre sensibile, dopo la morte della moglie, avvenuta nel 1992, ha realizzato una bellissima serie di fiori in fase di appassimento, che vediamo al termine del percorso espositivo. Dopotutto, Penn ha affermato che “una buona fotografia è quella che tocca il cuore dello spettatore”.
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